Féminisme et pédagogie au coeeur des formations artistiques : 40 ans d'expérience réunit deux conférences tenues en 1985 et 2022 par Griselda Pollock.
Dans sa conférence de 1985, Griselda Pollock formule une critique des politiques du genre présentes dans l'enseignement artistique au XXe siècle qui, selon elle, renforcent l'idéologie individualiste et masculiniste des conditions de production capitalistes de l'art. Elle associe le culte de l'auteur avec une absence de reconnaissance des femmes artistes, malgré leur participation flagrante à l'art moderne. Elle explore l'impact de la critique post-moderne et de l'engagement pour un art féministe sur les théories de la signification, de la subjectivité et sur l'image, quand elle se détache du modèle de « l'atelier ». Pour finir, elle plaide pour « une intervention féministe dans l'histoire des arts » à même de contester le modèle exclusivement centré sur l'homme artiste-héros ou sur l'hégémonie du formalisme dans la théorie de l'art.
Près de quarante ans plus tard, en 2022, Griselda Pollock revisite l'impact de 1968 et la révolution théorique provoquée par ce moment historique en resituant les tournants géopolitiques et idéologiques de 1989, 2001, et plus particulièrement 2007 (sortie de l'iPhone, liée à Internet et aux réseaux sociaux). Elle identifie une tendance post-2010 problématique qu'elle appelle (moyennant Derrida) « instagrammatologie » et défend une analyse critique de la grammaire des réseaux sociaux, qui réduisent selon elle le spectre de la pensée nuancée et performent la surveillance des idées.
À partir d'expériences pratiques, Désapprendre en traduisant s'appuie sur la traduction comme outil pédagogique, acte de résistance et geste de soin dans un contexte politique hostile. La curatrice, autrice, éditrice et traductrice autodidacte Virginie Bobin y revisite une série d'ateliers, expositions et autres activités collectives prenant la traduction comme sujet et comme méthode pour ébranler les conceptions excluantes de la langue, de l'identité et de l'appartenance. À travers le prisme ambigu de l'intraduisibilité, le livre se penche sur les rapports de pouvoir qui sous-tendent le travail de l'art dans divers contextes institutionnels, académiques ou militants. S'inscrivant dans des généalogies et des méthodologies féministes, Désapprendre en traduisant place le travail collectif et les relations affectives au coeur des pratiques critiques, comme l'illustre la correspondance avec Andrea Ancira, publiée à la fin du livre.
Issu d'une recherche empirique, Espaces pédagogiques alternatifs : de l'utopie à l'institutionnalisation enquête sur la manière dont les espaces de pédagogies alternatives se créent, se développent et se transforment. Cofondatrice de l'école d'art indépendante et espace communautaire Open School East, initié à Londres en 2013, Anna Colin en a été la directrice entre 2013 et 2021. Elle explore dans cet ouvrage les facteurs permettant l'implantation de structures, leurs cycles de vie, ainsi que le décalage possible entre les pratiques et les valeurs qui les font exister. L'enquête analyse les caractéristiques et les prérequis à ce que Colin appelle « les établissements pédagogiques multi-publics ». Elle se penche également sur les situations épineuses qui guettent les projets résolument alternatifs : processus d'habituation, tentation ou nécessité de s'agrandir, collectes de fonds qui malmènent l'éthique de travail, longévité, ou le simple désir de parvenir à la viabilité et à la stabilité.
Espaces pédagogiques alternatifs se propose de reconceptualiser les notions d'attente, de lenteur et de longévité et tente de définir ce qui pourrait profiter aux pratiques culturelles et à la création de futures institutions (où à la refonte de celles qui existent déjà). Plutôt que d'envisager une équivalence entre succès et pérennisation, l'autrice part à la rencontre de modèles institutionnels qui résistent à la chrononormativité, prenant leur source dans les mouvements sociaux, la psychothérapie, la biologie et la permaculture.
L'atelier pratique et théorique Situations post est une communauté d'artistes nourri·es par une pensée de l'art en situation politique, sociale, économique et affective. Nous y relions l'art collaboratif et participatif aux gestes de traduction et d'annotation. Nous empruntons donc le terme de « situation » à un héritage sociologique (école de Chicago, cultural studies, pédagogie critique), artistique (histoire de l'avant-garde situationniste) et à une pensée des subjectivités féministes et décoloniales (Hooks, Haraway, Ahmed). Ce livre ne s'inscrit ni dans la valorisation d'un art comme action politique directe, ni comme une catégorie esthétique construite à partir d'une relation « théorique » à l'autre mais comme une pratique artistique impliquant des gestes collectifs. Comme le dit Isabelle Stengers, « il est primordial de penser comment donner aux situations le pouvoir de faire penser ensemble » (Résister au désastre, 2019).
L'ouvrage permet à la fois de rendre public et tangible l'apport critique de l'atelier Situations post en tant qu'espace de travail initié à la Villa Arson (2014-2023) mais également la mise en mouvement d'un corpus de pratiques collectives, transversales, éphémères. Elles ont des caractéristiques collaboratives, pédagogiques ou encore inscrites dans la continuité des critiques institutionnelles. À partir d'invitations formulées à une génération d'artistes parmi lesquel·les figurent Flo*Souad Benaddi, Karima El Karmoudi, Filles de Blédards, Nelle Gevers, HaYoung, Sarah Netter, H·Alix Sanyas, Ghita Skali, Silina Syan, un échange prolixe se tisse entre les formes textuelles et visuelles des auteurices Sara Ahmed, Annie Ernaux, Stuart Hall, Marielle Macé, Bonaventure Ndikung, le collectif Qalqalah, Sayak Valencia ainsi que les artistes M'barek Bouhchichi, Jagna Ciuchta, Nikolaus Gansterer, Stella Geppert, Laïla Hida, Maya Mihindou, Samir Ramdani et Massinisa Selmani.
Les cinéastes et plasticiens libanais Joana Hadjithomas et Khalil Joreige poursuivent leurs recherches sur les modes de narration, l'écriture de l'histoire et les productions d'imaginaires en interrogeant ici emails indésirables, spams, scams et escroqueries sur internet en tous genres.
Cette monographie présente l'ensemble des matériaux collectés par les artistes depuis 1999 dans le cadre de leurs recherches sur l'élaboration et l'articulation des récits personnels à l'ère numérique. Ce travail est au point de départ d'une réflexion plus large sur la nature de l'autorité et de la croyance à l'heure d'internet. Entre les lignes, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige questionnent notre foi envers l'autre : Comment internet l'a-t-il remodelé les relations de confiance ? Et comment juger les interactions entre individus sur le web à l'aune de nos schémas traditionnels de croyance ?
Publié suite à l'exposition de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige « Je dois tout d'abord m'excuser... » à la Villa Arson, Nice, en 2014.
« Pour peindre un endroit, je dois me trouver au lieu de son manque. Pour saisir un lieu et une atmosphère, il me faut ne plus en faire physiquement partie. Éternelle histoire du désir qui est transport vers ce qu'il ne possède pas, ou plus. L'art se niche dans ce rapport du réel à la distance, mon travail prend alors la forme sublimée du manque. » Carole Benzaken in Thierry Novarese, L'atelier de Carole Benzaken, Paris, Thalia Édition, 2009.
Carole Benzaken est née en 1964.
Diplômée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en 1990, elle a reçu le prix Marcel Duchamp et exposé à l'espace 315 du Centre Pompidou en 2004 ; elle a nourri son oeuvre de séjours à Los Angeles, au Japon, en Corée, au Bénin.
Elle est aujourd'hui présente dans les collections publiques, en France et aux États-Unis.
Première monographie consacrée à l'ensemble de son oeuvre, cet ouvrage propose d'analyser tous les aspects de son travail, de la peinture à la vidéo, du grand format aux frises miniatures, des vitraux et boîtes lumineuses à l'encre de Chine et aux lithographies. Le texte rétrospectif de Claire Stoullig mettant en perspective toutes ces dimensions est complété par un entretien de l'artiste avec Stéphanie Katz.
