Le Regard
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2025, l'agence WILMOTTE & ASSOCIES fête ses cinquante ans. Un demi-siècle de travail attestant de la vitalité de réalisations qui d'emblée ne se sont pas cantonnées à la France mais au monde entier. Des réalisations qui se sont intéressées avec un même intérêt à l'architecture, la muséographie, la création de mobilier et l'urbanisme.
Pour Jean-Michel Wilmotte il n'y a pas de petits projets, tous sont dignes d'attention. En matière d'architecture, Wilmotte, dès les années 80, s'est imposé en leader de la réhabilitation d'édifices anciens. Par ailleurs, il a été le premier à repenser la scénographie des musées avec un vocabulaire et une grammaire qui lui sont propres : structuration des flux de visiteurs, jeux de lumière, chromatisme apaisant, vitrines et mobiliers minimalistes, conception d'espace de détente, soit la conjonction idéale de la culture et de la distraction.
L'urbanisme, la ville et ses ghettos sociaux, la figure anonyme de celui qui traverse les zones urbaines, l'absence de de flâneurs. Un état d'esprit contre lequel Wilmotte s'insurge. Contre lequel il lutte en introduisant d'avantage d'esthétisme, mais aussi un surcroît de convivialité. Bref ! ce livre tente de retracer à l'aide de remarquable photographies et dessins l'apport de Wilmotte dans notre environnement par nombre de réalisations emblématiques qui toutes révèlent le sens profond de l'agence, une architecture qui est aussi une morale.
Ainsi de la Tour Bleue Ciel à Dallas, Hôtel-atelier Solex, Cours Albert premier, bureaux, Science Po, Paris, Centre Pompidou, Séoul, Musée Breus, Tbilissi, Institut de recherche Servier, Gif-sur-Yvette - Siège du Crédit Agricole Aquitaine, Bordeau - Hippodrome de Rabat - Hôtel à Boukara - Logements Flatmates, Yvry-sur-seine - Hôtel Mamilla, Jérusalem - Tour Mona, Monaco - Reims Arena, Reims - Hôtel de Police, Nice, etc... -
Né en 1890, sensible au formalisme de l'Ecole de Vienne, particulièrement attaché à l'autonomie des arts figuratifs telle qu'elle s'exprime chez Adolf von Hildebrand, Roberto Longhi sera, pour un temps, séduit par la démarche de Giovanni Morelli, l'amènera à s'intéresser alors aux études sur les peintres italiens de la Renaissance de Bernard Berenson.
Né en 1890, formé à l'école d'Adolfo Venturi, sensible au formalisme de l'Ecole de Vienne, particulièrement attaché à l'autonomie des arts figuratifs telle qu'elle s'exprime chez Adolf von Hildebrand, Roberto Longhi sera, pour un temps, séduit par la démarche de Giovanni Morelli, qui le conforte dans sa volonté d'examiner les oeuvres en elles-mêmes, et l'amènera à s'intéresser alors aux études sur les peintres italiens de la Renaissance de Bernard Berenson.
Se tenant d'une certaine façon " en marge ", et infiniment respecté, Roberto Longhi- par goût sincère autant peut-être que par son talent pour la polémique -, se singularisa par la largeur de ses vues, s'intéressant tant à Cimabue qu'à Nicolas de Staël.
Pour Roberto Longhi, le Caravage fut certainement le premier des peintres " modernes ". Dès 1926, il lui consacre une analyse inaugurant une réflexion née du refus de l'art considéré comme illustration, c'est-à-dire comme littérature figurée. En témoignent les textes composant notre volume et formant un ensemble cohérent traitant à la fois du Caravage, de ses antécédents, de son influence, de même que des échos de son oeuvre dans la peinture française.
De ces textes essentiels, seul le deuxième de notre édition - le Caravage- a été publié en langue française, en 1968. Ouvrage depuis longtemps introuvable dans lequel l'aspect polémique de Longhi avait été gommé. -
Texte écrit au cours d'une croisière durant l'été 2024.
Lieu d'exception, le voilier, où ce qui se dit et à fortiori s'écrit relève plus qu'ailleurs de l'intimité. Il réfléchit comme on flâne, entouré de sa bibliothèque de survie, entre deux plongeons et de longues promenades dans les collines muni de son appareil photographique.
Texte écrit au cours d'une croisière durant l'été 2024.
Lieu d'exception, le voilier, où ce qui se dit et à fortiori s'écrit relève plus qu'ailleurs de l'intimité, favorise la survenue d'instants privilégiés. Anselm Kiefer, qui semble d'habitude ne rien vouloir accepter du temps qui passe sinon les oeuvres qu'il dépose dans ses ateliers, commençait à trouver à son goût le " temps suspendu " qu'offre la navigation. Il réfléchit comme on flâne, entouré de sa bibliothèque de survie, entre deux plongeons et de longues promenades dans les collines muni de son appareil photographique.
Ainsi de retour, sur son ordinateur, lit-on de pertinentes analyses sur le contenu de ses lectures, mais aussi de subtiles réflexions sur son état personnel. A la lueur ironique d'un homme qui a décidé de s'amuser lui-même pour s'être souvent désespéré, parce qu'ayant croisé toutes les chambres où s'élaborent l'alchimie de l'aventure humaine.
L'atelier toujours présent est à portée de portable, ainsi peut-il suivre l'évolution des travaux laissés à son départ. Ces pages nous informent sur l'état d'esprit d'un artiste que rien n'éloigne jamais de l'atelier. D'un lecteur en permanence au coeur de son processus créatif. Ainsi, à force d'examiner, de vérifier ce qui s'enfuit, il parvient à savoir mieux que d'autres ce qu'est la permanence des choses. -
Beau, beau et vieux à la fois : Esthétique de la vieillesse
Aude Lamorelle
- Le Regard
- Essais Art Poche
- 7 Mai 2025
- 9782841054404
Aborder la vieillesse sous l'angle de l'esthétique ne va pas de soi. Vieillesse et beauté plastique semblent s'opposer dans notre culture occidentale. Cependant, depuis quelques décennies, des études sociologiques s'intéressent à la manière dont les aînés considèrent la vieillesse, tandis que, parallèlement, la chirurgie esthétique se démocratise.
Aborder la vieillesse sous l'angle de l'esthétique ne va pas de soi. Vieillesse et beauté plastique semblent s'opposer dans notre culture occidentale. Cependant, depuis quelques décennies, des études sociologiques s'intéressent à la manière dont les aînés considèrent la vieillesse, tandis que, parallèlement, la chirurgie esthétique se démocratise. Le tabou qui entoure la vie amoureuse et sexuelle passé soixante ans, et son corollaire, la séduction, commence à s'étioler. Et les chiffres révèlent que les vieux sont loin de se trouver unanimement laids, à l'encontre des jugements apodictiques et décomplexés qui émaillent les discours sur le vieillissement. Quels sont donc les fondements des préjugés envers la vieillesse ?
Comme toute représentation, celle de la vieillesse se construit avec les mythes, l'histoire de notre société et l'expérience personnelle qui fondent notre imaginaire. Comment le corps vieillissant a-t-il été représenté à travers les âges ? Quelles conceptions de la vieillesse -; philosophiques, morales, religieuses, politiques, sociales, biologiques, médicales -; sous-tendent ces images ? L'interaction de ces nombreux champs dans la représentation individuelle et collective de la vieillesse rend compte de la complexité du sujet. Qu'en disent les principaux intéressés ? A la multiplicité des approches pour l'étudier répond la diversité des façons de la vivre. Aude Lamorelle en propose une synthèse, dont le but est de remonter aux sources des idées reçues, et d'exposer des visions non univoques de l'avancée en âge. Pour qu'il soit permis, en parodiant Jacques Brel, d'être beau, beau et vieux à la fois. -
Bernar Venet - Paintings propose une exploration approfondie de l'oeuvre révolutionnaire de l'artiste au cours des six dernières décennies. À la croisée des chemins entre science, mathématiques et art visuel, Venet transforme des concepts abstraits en peintures saisissantes et stimulantes.
Bernar Venet - Paintings propose une exploration approfondie de l'oeuvre révolutionnaire de l'artiste au cours des six dernières décennies. À la croisée des chemins entre science, mathématiques et art visuel, Venet transforme des concepts abstraits en peintures saisissantes et stimulantes. Cette compilation met en lumière sa capacité unique à brouiller les frontières entre les disciplines, donnant vie à des idées intellectuelles pures sous la forme d'oeuvres d'art captivantes.
Bernar Venet : : Né en 1941 à Château-Arnoux-Saint-Auban (France), il s'impose dès la fin des années soixante sur la scène artistique avant-gardiste de New York. Il joue un rôle clé dans l'émergence d'une nouvelle proposition radicale mêlant art, mathématiques et langage scientifique. Il vit et travaille aujourd'hui à Le Muy, en France.
Expositions à venir : Guangdong Museum of Art, Canton, Chine - Waddington Custot, Londres, Royaume-Uni - Musée Picasso, Antibes
Olivier Schefer : Professeur d'Esthétique et de Philosophie de l'Art à l'École des Arts de la Sorbonne. Philosophe, écrivain et critique d'art, il est spécialiste de la période romantique et de ses résonances modernes et contemporaines. Il a notamment traduit de l'allemand et édité Le Brouillon général de Novalis (éditions Allia, 2015), il est l'auteur d'essais sur le romantisme (Mélanges romantiques. Hérésies, rêves et fragments, Le Félin, 2015), d'ouvrages sur le cinéma de revenants et les figures somnambuliques (Variations nocturnes, Vrin, 2008 ; Figures de l'errance et de l'exil. Cinéma, art et anthropologie, Rouge Profond, 2013). On lui doit de nombreux catalogues d'exposition sur des artistes contemporains tels que Bernar Venet, Anish Kapoor, Claude Lévêque et Stéphane Thidet. Il a en outre publié deux récits sur le voyage et la mémoire, Une tache d'encre (Arléa, 2017), Un Seul souvenir (Arléa, 2016). -
Dans cette monographie, l'unique consacrée à ce jour à Anselm Kiefer, Daniel Arasse s'applique à démontrer le processus de sédimentation, de réélaboration de thèmes qui circulent, s'entrecroisent et se superposent en un véritable " labyrinthe kieferien ".
Dans cette monographie, l'unique consacrée à ce jour à Anselm Kiefer, Daniel Arasse s'applique à démontrer le processus de sédimentation, de réélaboration de thèmes qui circulent, s'entrecroisent et se superposent en un véritable " labyrinthe kieferien ". La dimension historique et politique de l'oeuvre de Kiefer passionne Arasse et plus particulièrement son statut d'artiste allemand né avant l'achèvement de la guerre. Position à laquelle l'artiste consacra une rare énergie afin de démêler l'écheveau consistant à analyser les possibilités de l'acte créer après l'holocauste. Car à l'instar d'autres artistes allemands mais avec davantage de conscience et d'obstination, Kiefer a questionné son héritage de peintre en révélant les éléments iconographique et mythologique de la culture allemande. Arasse lève le voile et désigne l'oeuvre en tant qu'instrument qui transforme les actions ou les architectures en leur permettant d'entrer dans le " théâtre de la mémoire individuelle et collective, au lieu d'agir pernicieusement dans le refoulement de leur souvenir. " Au fil des pages, Daniel Arasse examine les multiples facettes d'une oeuvre à la portée universelle, qui sait prendre en compte l'Histoire, les mythes germaniques, grecs, assyriens... la religion, les femmes, la poésie, la mystique juive, en des tableaux, sculptures, livres aux dimensions et à la matière exceptionnelle, avec une prédominance pour le plomb, dont la contemporanéité est indissociable du classicisme. -
Photographe, inlassable voyageuse, Renate Graf nous dévoile dans cette autobiographie les racines de ses deux passions et les multiples périples qui les ont ancrées au plus profond d'elle-même.
Photographe, inlassable voyageuse, Renate Graf nous dévoile dans cette autobiographie les racines de ses deux passions et les multiples périples qui les ont ancrées au plus profond d'elle-même. Son enfance autrichienne, solitaire, avive son goût précoce pour la lecture, sa soif de liberté et de découverte et, dès que son âge le lui permet, elle s'installe à New York pour travailler dans une galerie de Soho. C'est alors qu'elle rencontre Anselm Kiefer, son compagnon durant plus de deux décennies, et le père de ses deux enfants. Ensemble ils sillonnent l'Italie, l'Écosse, le sud de la France, en quête du domaine idéal pour y créer une vie dédiée à l'art puis, celui-ci enfin trouvé, entament une longue suite de voyages aux quatre coins du monde, du nord au sud et d'est en ouest. La Route de la soie, le Mexique, l'Australie, le Japon, l'Himalaya, le Brésil... et l'Inde, visitée depuis 1996, qui tient sans conteste une place particulière parmi toutes ces destinations lointaines. Renate n'aura de cesse d'y retourner d'année en année, s'imprégnant de sa culture comme de ses paysages ou de ses villes et de la vie de cette population dont les valeurs nous semblent si singulières. Très vite, la photographie est devenue son mode d'expression privilégié. Elle lui permet de témoigner de l'état du monde et d'affirmer sa conception de l'image comme art. -
La création de Louis Sognot (1892-1969) s'épanouit sur plusieurs périodes de l'histoire du style du mobilier. D'abord imprégné des techniques traditionnelles par sa formation et son passage au faubourg Saint-Antoine chez Krieger. Jeune, il participe à l'étonnante aventure des ateliers d'art du Printemps : Primavera fondé par René Guilleré en 1912
La création de Louis Sognot (1892-1969) s'épanouit sur plusieurs périodes de l'histoire du style du mobilier. D'abord imprégné des techniques traditionnelles par sa formation et son passage au faubourg Saint-Antoine chez Krieger. Jeune, il participe à l'étonnante aventure des ateliers d'art du Printemps : Primavera fondé par René Guilleré en 1912. Personnalité qui compte en ce début de XXème siècle, il est à l'origine de la société des Artistes décorateurs en 1901. Entre 1920 et 1929 Louis Sognot collabore chez Primavera à la réalisation des projets de Guilleré, des ensembles pour des intérieurs modernes selon les principes édictés par Guilleré pour qui " La forme détermine le décor ", ils seront remarqués à la SAD et au salon d'Automne. Ce style annonce " l'art déco " pour un public plus modeste. Encouragé par Primavera, en 1926, il propose pour la première fois du mobilier en métal se rapprochant ainsi des acteurs du mouvement moderne, René Herbst, Charlotte Perriand, Pierre Chareau. En 1929, il quitte Primavera pour rejoindre l'UAM (Union des artistes modernes). Associé pendant quatre années avec Charlotte Alix, ils se distinguent par des réalisations remarquables, pour les laboratoires Roussel ou le Maharadjah d'Indore. Dès lors il appartient à l'avant-garde et participe activement au mouvement en explorant de nouveaux matériaux et il reprend son indépendance. Après la Seconde Guerre mondiale il se passionne pour le rotin, un choix qui le place au-devant de la scène. Une technique à la fois économique, organique et rationnelle. Le Salon des Arts ménagers s'impose afin de faire découvrir cette nouvelle tendance.
Excellent pédagogue, il enseigne dans diverses écoles (Boulle, Duperré, école des Arts décoratifs). Il collabore avec de nombreux éditeurs pour le rotin, et avec des éditeurs plus traditionnels dont la société dirigée par Maurice Rinck, avec laquelle il coopère dix années. Sa relation avec le créateur de luminaires Serge Mouille sera idéale. -
" Élève lointain de Poussin et de Champaigne, formé par sa passion pour Seurat et Cézanne, Hélion régénère, dans le contexte d'après-guerre, l'esthétique formaliste et l'idée hédoniste de la tradition française ". Henry-Claude Cousseau définit ainsi cet artiste.
" Élève lointain de Poussin et de Champaigne, formé par sa passion pour Seurat et Cézanne, Hélion régénère, dans le contexte d'après-guerre, l'esthétique formaliste et l'idée hédoniste de la tradition française ". Henry-Claude Cousseau définit ainsi cet artiste qui, après s'être exercé à l'abstraction, après avoir participé à la création du groupe et de la revue Art Concret, puis à Abstraction-Création, en revient à la figuration. Dès fin 1942, quelques éléments figuratifs apparaissent pour aboutir, dix ans plus tard, à la phase la plus déconcertante de son oeuvre, qu'il qualifiait lui-même " d'effort d'exprimer tout par le contact serré avec l'objet. Effort d'inclure l'apparence dans l'essence ".
Ainsi naîtront les " mannequineries ", " les journalerie "... puis à la fin de sa vie, les " suites pucières ". Faut-il évoquer le chapeau, le parapluie, le gant, la citrouille... qui, dans l'esprit de tous, symbolisent le travail de cet homme qui en 60 ans d'activité a " exploré tout ce qu'une très vive intelligence, une capacité avide et immense de voir et de juger auront pu apporter à un artiste dont le choix s'est porté sur la peinture, en raison de sa pente avide et merveilleuse ".
Par une iconographie abondante soutenant le texte d'un grand spécialiste, ce livre est la version poche de la monographie consacrée à Hélion par les Éditions du Regard en 1992. Un ouvrage essentiel qui permet de juger la logique complexe mais inflexible qui mène au développement de cette oeuvre. -
Didier Grumbach sait de quoi il parle : il est né, a grandi et s'est affirmé dans le cercle qu'il ouvre ici pour nous. Il ne s'est cependant pas contenté de convoquer ses souvenirs. Depuis des années, il accumule les archives, rencontre les témoins, franchit les portes qui d'habitude restent closes. Et il nous propose enfin une histoire de la mode au XXe siècle conçue à la manière d'une saga, d'une affaire de famille, avec ses pères nobles, ses fils prodigues, ses enthousiasmes, ses passions, ses haines, ses coups de génie, ses échecs. Les aventures individuelles - nos " héros " s'appellent Dior, Saint Laurent, Kenzo, Sonia Rykiel, Prada ou Hermès - s'ordonnent selon une chronologie et une logique qui, jusqu'alors, n'avaient pas été établies.
De la haute couture à l'explosion du prêt-à-porter, des confectionneurs, des stylistes et des créateurs, nous voyons tout à la fois évoluer les techniques, varier un marché, mûrir un art et changer une culture. Nous découvrons aussi comment les Français sont sortis de Paris pour aller à la rencontre de New York, de Tokyo et de Pékin.
Ce livre est indispensable au connaisseur qui y trouvera mille références jamais rassemblées. Il est aussi l'outil d'initiation de l'amateur désireux de visiter les coulisses du plus séduisant des théâtres. -
Ce livre est la première monographie consacrée au duo d'architectes d'intérieur Philippon Lecoq.
Le bureau d'étude d'Antoine Philippon et Jacqueline Lecoq s'impose de 1955 à 1995. Tout au long de la période des Trente glorieuses , ils imposent une pratique exigeante qui concerne l'architecture intérieure, la scénographie d'exposition, le design industriel, l'enseignement.
Le bureau d'étude d'Antoine Philippon et Jacqueline Lecoq s'impose de 1955 à 1995. Tout au long de la période des Trente glorieuses , ils imposent une pratique exigeante qui concerne l'architecture intérieure, la scénographie d'exposition, le design industriel, l'enseignement. Ils participent aux salons nationaux et internationaux, se faisant reconnaitre pour leur militantisme professionnel et la défense d'une profession en devenir. Ils exposent au Salon des artistes décorateurs, au Salon des arts ménagers, à l'exposition internationale de Bruxelles en 1958, à la Triennale de Milan et dans de nombreuses manifestations d'importance. Ce livre rend hommage aux industriels qui les ont soutenus dans l'élaboration de leurs multiples projets produits en série, favorisant leur exploration de nouveaux usages et de nouvelles techniques : en France : d'Henry Mouraux à Airborne, le Mobilier national, Formica et les Glaces de Boussois. A l'étranger, en Allemagne en particulier : Bofinger, Erwin Behr, Lauser, etc. Leurs réalisations se distinguent par un ancrage dans la durée, un engagement sans concessions. Ce livre est la première monographie consacrée au duo d'architectes d'intérieur Philippon Lecoq. -
Au fil du Tarn
Arnaud Comby, Guillemette Comby, Patrice Geniez
- Un Autre Regard
- 14 Octobre 2023
- 9782900803691
Les photographies ont toutes été prises dans un rayon de cinq kilomètres autour du cours d'eau, au plus près du Tarn, afin de faire découvrir ses différents visages. Suivre le Cingle plongeur dans les eaux tumultueuses des pentes du Lozère, frôler les falaises des Gorges avec les vautours, prendre le temps de déambuler dans les Raspes à la recherche du Martin pêcheur, partir à la rencontre du faucon pèlerin et des oiseaux d'eaux de la basse vallée... Des textes accompagnent les photographies de Patrice Geniez, des textes longs, énergiques, bouillonnants comme la rivière, des petits textes avec des anecdotes ou des récits sur la faune et les paysages, mais aussi des haïkus et poésies, courtes, dansantes, reflets sur l'eau.
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Ce livre est la version " poche " de la première monographie consacrée à Balenciaga par les Éditions du Regard en 1988. Marie-Andrée Jouve, alors responsable des archives de la maison Balenciaga réalisa à l'aide d'une documentation exceptionnelle un ouvrage inégalé à ce jour sur le maître incontesté de la haute couture.
Ce livre est la version " poche " de la première monographie consacrée à Balenciaga par les Éditions du Regard en 1988. Marie-Andrée Jouve, alors responsable des archives de la maison Balenciaga réalisa à l'aide d'une documentation exceptionnelle un ouvrage inégalé à ce jour sur le maître incontesté de la haute couture.
Elle fut à l'origine de sa redécouverte par une série d'expositions prestigieuses, entre autres : Balenciaga, Musée des textiles de Lyon ; Balenciaga, F.I.T. New-York.
Secret, Cristobal Balenciaga le fut incontestablement, mais s'il ne nous livra que très peu de lui-même, de sa vie privée ou de ses choix artistiques, ceux-ci transparaissent dans son oeuvre exigeante, parfois proche de la sévérité et dans laquelle culmine le raffinement de ses inspirations. De l'ampleur et des drapés de la peinture de Zurbaran, Balenciaga réinvente des robes, des manteaux et des capes dont chaque volume, chaque plis, atteint l'expression même de l'austère élégance espagnole. La perfection de sa technique lui permettant de satisfaire son goût pour l'infiniment dépouillé et d'obtenir des vêtements dont la coupe parfaite s'alliant à la somptuosité des étoffes, évoquent des architectures proches de l'abstraction.
Ses plus belles créations (1937 - 1968) nous sont offertes ici à travers une iconographie inédite par les plus grands photographes de son temps qui, en reconstituant son oeuvre, gardent intact le mythe. -
Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine
Alain Monvoisin
- Le Regard
- 6 Novembre 2008
- 9782841052110
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Les décennies sont rarement exactes au rendez-vous de l'histoire et cachent souvent leur âge.
Les années 30 s'inaugurent quant à elles avec ponctualité le vendredi 24 octobre 1929 alors que ferme la bourse de wall street et s'évanouissent le 3 septembre 1939 lors de la déclaration de guerre à l'allemagne par la france et le royaume-uni. pendant dix ans, l'économie naufrage tandis que le système financier explose en une suite de krachs inédits et contagieux. les démocraties vivent sous la menace hypnotique du totalitarisme toujours plus arrogant.
Les diplomates renoncent aux lénifiantes conférences lacustres en improvisant des contre-feux fragiles. les etats-unis sont ailleurs. l'asie nous semble de plus en plus lointaine. la russie rentre dans le jeu. l'italie se laisse séduire à coups d'abandons. seul hitler sait ce qu'il veut. l'aventure est partout, le drame s'insinue. la littérature témoigne de toutes ces turbulences. les surréalistes s'époumonent en dérisoires excommunications et la nrf s'auto édifie un mausolée en imposant un certain style sans pour autant faire école.
L'engagement divise les intellectuels tant sur les enjeux que sur les objectifs. l'art en découd avec la réalité. la figuration creuse son sillon, les avant-gardes s'éclipsent et l'abstraction s'affirme. la musique s'étonne de l'atonalité en se marginalisant encore davantage. au théâtre de boulevard, la société s'amuse de son propre spectacle, mais la création est ailleurs à paris, berlin ou moscou pour quelques années encore.
Le monde se fonde sur l'aléatoire alors que les architectes construisent pour l'éternité, et si l'époque cherche sa voix dans une incroyable cacophonie, le cinéma trouve la sienne dans des salles qui sont des temples. anne bony. -
Pyrénées majestueuses : Images et poésie
Christian Partinico
- Un Autre Regard
- 14 Octobre 2023
- 9782900803684
Christian PARTINICO parcourt ses Pyrénées au gré des sentiers de randonnée, d'est en ouest et du nord au sud et partage avec ses lecteurs sa passion de la montagne, de ses coins secrets, de sa majestueuse nature, tellement changeante en fonction des saisons.
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Ni mouvement ni courant esthétique, l'Art déco est un état d'esprit, l'expression d'une volonté momentanée de définir le style d'une époque qui marque la France des années 1920. Préfigurant le futur, il apparaît comme le symptôme d'une modernité en mouvement, attaché en particulier aux arts décoratifs et industriels. Apparaissant à la suite des avancées plastiques du début du siècle - le cubisme principalement -, auxquelles il doit beaucoup, et à l'instar des deux décennies qui le précèdent, l'Art déco valorise le changement, tout en s'affirmant contre la modernité et les " modernistes ", ainsi dénommés par les contemporains, et en particulier contre le dogmatisme, la normalisation, le positionnement idéologique. Son mérite essentiel sera d'avoir suscité une prodigieuse fécondité de la création dans les domaines des arts visuels, avec une ampleur universelle. Ce livre ne prétend pas être un ouvrage théorique sur l'Art déco. II tient surtout à rendre hommage aux jeunes antiquaires qui, à l'orée des années 1970, l'ont redécouvert, soutenu et défendu avec une détermination formidable, en l'imposant sur le marché de l'antiquité. Nous regarderons ces oeuvres pour leur valeur esthétique, qui fut si difficile à imposer aux yeux des collectionneurs et des simples amateurs. Elles sont aujourd'hui l'objet, à l'égal de l'art en général, des jeux spéculatifs qu'anime un marché mondial.
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Lison de Caunes : la paille en héritage
Lison de Caunes
- Le Regard
- Arts Deco
- 7 Septembre 2023
- 9782841054237
Avec patience, constance, avec surtout cette énergie qui la caractérise, Lison de Caunes a sorti la marqueterie de paille de l'oubli. Elle a su la faire connaître, la faire revivre certes, mais aussi l'inscrire dans une esthétique très contemporaine.
Avec patience, constance, avec surtout cette énergie qui la caractérise, Lison de Caunes a sorti la marqueterie de paille de l'oubli. Elle a su la faire connaître, la faire revivre certes, mais aussi l'inscrire dans une esthétique très contemporaine. Cette technique connut son apogée durant la période Art déco grâce à des créateurs tels que Jean-Michel Frank et André Groult. Ce dernier, son grand-père, lui fit découvrir, tout enfant, quelles merveilles pouvaient surgir lorsque l'imaginaire et la dextérité s'allient à la plus humble des matières.
Lison de Caunes se raconte dans ces pages avec sincérité et simplicité, revient sur les quelques décennies qui l'ont amenée à la reconnaissance dont elle jouit aujourd'hui. Son amour des métiers d'art, son désir de transmettre son savoir-faire, ses collaborations avec les grands architectes d'intérieur de notre temps, sa famille dont les membres ne sont autres que Benoîte Groult, sa mère, Paul Poiret, Jeanne Boivin pour n'en citer que quelques-uns, nous font, à travers son histoire, revenir sur les plus belles heures de cette culture qui a forgé notre modernité. -
Ce livre est un témoignage de rigueur et d'intemporalité qui font aujourd'hui songer, que plus qu'un décorateur Jean-Michel Frank est un précurseur, qui à partir d'un meuble, fut un architecte et au delà, un novateur.
Ce livre est un témoignage de rigueur et d'intemporalité qui font aujourd'hui songer, que plus qu'un décorateur Jean-Michel Frank est un précurseur, qui à partir d'un meuble, fut un architecte et au delà, un novateur. -
Désir sacré et profane ; le corps dans la peinture de la Renaissance italienne
Daniel Arasse
- Le Regard
- 24 Septembre 2015
- 9782841053407
Parmi les nombreux sujets auxquels s'est intéressé Daniel Arasse, il en est un auquel il convient d'accorder une importance particulière car c'est sans conteste celui qui, dans la peinture italienne de la Renaissance, a le plus profondément et le plus durablement retenu son attention. Cet objet d'étude privilégié est le corps humain, non en lui-même, mais en tant qu'il exerce une séduction sur le spectateur. Qu'il relève du registre religieux ou profane, qu'il soit de sexe masculin ou féminin, qu'il apparaisse nu ou vêtu, Daniel Arasse s'y est intéressé durant toute sa carrière. Il l'a abordé sous de multiples aspects : corps ressuscité du Christ, vers lequel un élan d'amour emporte Marie-Madeleine ; corps supplicié de saint Sébastien, qui protège de la peste parce qu'il survit à la sagittation ; corps de Vénus couchée dans un paysage ou sur un lit ; corps d'une jeune femme portraiturée à demi nue (la célèbre Fornarina de Raphaël) ou vêtue (la Donna velata, du même artiste).
Ce recueil est donc avant tout l'occasion de voir réunis certains textes fondamentaux de ce grand historien de l'art qui, aujourd'hui, sont extrêmement difficiles d'accès - voire introuvables. Sont ainsi présentés une dizaine d'écrits qui portent sur deux des plus grands foyers culturels de l'Italie de la Renaissance - Venise et Rome -, et abordent à des titres divers cinq personnalités artistiques de première importance : Antonello de Messine, Giovanni Bellini, Raphaël, Parmigianino, Titien. -
ce livre part d'un constat: une partie de l'art actuel accorde au déplacement un rôle majeur dans l'invention des oeuvres.
en ce sens elle ne fait que participer de l'histoire générale de l'art dans laquelle la figure de l'homme qui marche est essentielle. la façon cependant dont cette question est aujourd'hui traitée par les artistes est suffisamment singulière pour mériter une analyse à part entière. c'est ce à quoi s'applique cet ouvrage qui n'est pas un panorama de la fonction plastique du nomadisme mais un choix opéré à partir de recherches contemporaines (essentiellement gabriel orozco, francis atys, le laboratoire stalker) exemplaires de cette question dont il met en évidence les règles et les mécanismes d'action.
apparaît alors un univers oú le déplacement est non seulement le moyen d'une translation spatiale mais également un fait psychique, un outil de fiction ou encore l'autre nom de la production. cette cinéplastique qui fait de la ville son théâtre d'opérations, ces déplacements aux multiples résonances tracent le visage d'un monde oú le réel est un processus. c'est le côté " chinois " de ces artistes et de leurs oeuvres.
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Artiste plasticien suisse - 1902-1985 - créateur de mobilier et d'objets, Diego Giacometti, collabore durant de longues années avec son frère le sculpteur Alberto Giacometti. En 1929, au Salon des Indépendants, il rencontre avec son Alberto, Jean-Michel Frank qui les invite à concevoir des objets pour sa boutique, luminaires, vases et petit mobilier qu'ils réalisent ensembles. Il en sera de même pour Elsa Schiaparelli.
A partir des années 60, l'essentiel de ses créations est réalisé pour des clients privés, Hubert de Givenchy, Aimée Maeght, Pierre Matisse... Au début des années 80, lors de l'installation du musée Picasso à Paris, à l'Hôtel Salé, Il reçoit une commande de l'Etat pour la conception d'un ensemble de meubles et de luminaires, réalisés dans ses matériaux de prédilection, le bronze et le plâtre. Il est assisté par Philippe Anthonioz.
D'une exceptionnelle poésie, l'univers de même que le style de Diego Giacometti est aisément reconnaissable : le bronze est souvent à patine verte, le plâtre laissé à l'état naturel, les lignes sont fortes et nerveuses, travaillées en motifs végétaux, avec des décors à figures d'animaux.
Sans prétendre à l'exhaustif, ce livre, présente néanmoins une part très importante de l'oeuvre de Diego Giacometti. Célébré comme étant l'un des meilleurs spécialistes de l'artiste, Daniel Marchesseau, en fait l'exégèse et s'attarde sur le travail de l'un des créateurs de meubles les plus singuliers du XXeme siècle, internationalement reconnue.
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Les atrocités du nazisme et le trouble provoqué par la collaboration ont longtemps occulté, dans la mémoire collective, la créativité des années 40.
Le but de cet ouvrage est, grâce à la somme de documents rares et originaux que les auteurs ont pu retrouver et à la juxtaposition des différents domaines de la création, de développer l'esprit et « l'atmosphère » de cette période, en France et dans le monde.
L'évocation de cette décennie se doit de toute évidence de débuter par l'Exposition Universelle des Arts et Techniques de 1937 à Paris, qui présente toutes les tendances créatives qui auraient dû être développées au cours des années suivantes. Les nécessités de la guerre vont bouleverser ou figer ces tendances : l'image sera propagande, l'architecture blockhaus, et l'automobile char. Mais grâce à de lourds investissements technologiques, une nouvelle forme de créativité, directement issue de l'industrie, prit alors toute son ampleur.
Pour l'Europe, l'heure est à la nostalgie. Dans le désarroi, les créateurs se réfèrent aux valeurs d'antan, aux styles passés pour le mobilier, à la mythologie pour le cinéma, références échappant à la censure.
Malgré les restrictions, les productions sont de grande qualité. Seuls seront épargnés ceux qui puisent en eux-mêmes leurs forces créatrices, traducteurs privilégiés de l'esprit, peintres et écrivains par exemple. Ceux-là s'expriment avec une puissance inégalée. Le contexte de la guerre a également développé une réalité nouvelle, la mutation, et en particulier celle d'artistes qui fuient le nazisme. Le choc des sensibilités, l'épanouissement de ces déracinés dans les terres d'accueil, a relancé et développé la création. Les pôles attractifs changent, et la perception de ces changements ne se fera réellement sentir que dans les Années 30. Mais ces données ne suffisent pas à évoquer précisément la décennie : tumultueuse, imprécise, elle ne saurait constituer un moment monolithique de l'histoire.
Aussi tous les auteurs, qui ont apporté leur extrême compétence, ont tenté de préciser le style 40, qui après les Années 50 et les Années 60, constitue une nouvelle tranche de ce siècle non moins complexe et en tout point différente. -
Anselm Kiefer ; entre mythe et concept
Dominique Baqué
- Le Regard
- Monographies
- 24 Septembre 2015
- 9782841053421
Il n'existe à ce jour qu'une seule monographie d'Anselm Kiefer, celle de Daniel Arasse publiée il y a quinze ans aux Editions du Regard, traduite en anglais et en allemand, et qui a fait l'objet de nombreuses rééditions, notamment en livre de poche.
Cette seconde monographie apparaît donc nécessaire si l'on considère le développement de l'ouvre de Kiefer - premier artiste plasticien nommé titulaire de la chaire de Création artistique au Collège de France - et les grandes expositions qui lui ont été consacrées ces dernières années : " Chevirat Ha-Kelim " à la chapelle de la Salpêtrière en 2000, Monumenta 2007 ou encore l'importante rétrospective de la Royal Academy of Arts à Londres qui s'est tenue à l'automne 2014. Outre ces grandes expositions, Anselm Kiefer a également réalisé la scénographie d'Elektra au Teatro San Carlo à Naples en 2003 et a créer un opéra intitulé Au Commencement (Am Anfang) à l'occasion des vingt ans de l'Opéra Bastille en 2009.
A l'automne prochain, deux rétrospectives majeures lui seront consacrées à Paris au Musée national d'art moderne / Centre Pompidou et à la Bibliothèque nationale de France.
Cette seconde monographie permet à la fois de revenir sur les fondements de l'ouvre, en particulier son travail sur la mémoire - " mémoire sans souvenir " selon la formule de Daniel Arasse - qui s'inscrit dans une tentative de redéfinition de la germanité, existentielle pour cet artiste allemand né à la fin de la guerre et faisant partie de ce que l'on a appelé la " seconde génération ".
