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Une étonnante série de photographies anciennes de couples masculins romantiques, provenant de la collection Nini-Treadwell. Ces images intimes nous font entrevoir des histoires secrètes d'amour et de résilience. Autrefois cachées, ces photographies témoignent aujourd'hui de la force d'endurance de l'affection que se portent deux êtres.
ILS S'AIMENT : Un siècle de photographies d'hommes amoureux, 1850 - 1950 (Éditions Les Arènes) est paru en 2020, en plein pic de la pandémie. Le livre était néanmoins disponible en cinq langues, et la première édition a été épuisée en six semaines aux États-Unis. La réaction du public a été si enthousiaste que l'album est toujours, cinq ans et quelques réimpressions plus tard, un best-seller. Pour le réaliser les, auteurs ont choisi 320 photographies parmi les quelque 2 000 en leur possession ; aujourd'hui, plus d'un quart de siècle après l'achat de la toute première pièce de leur collection, celle-ci en compte plus de 4 000. Il semblait dès lors logique- et même nécessaire - de publier un second volume comprenant une sélection opérée parmi ces nouvelles acquisitions. DES HOMMES AMOUREUX propose donc une autre étonnante série de photographies vernaculaires de couples masculins romantiques, dont la force émotionnelle ne le cède en rien à celle du premier. Ce second tome prolonge le récit de la joie inaltérée - à laquelle chacun de nous aspire et que chacun reconnaîtra - que procure l'état amoureux.
Comme pour le premier volume, ces images et ce qu'elles expriment, soit directement dans l'étreinte, soit plus subtilement dans un contact furtif, émeuvent - et même changent - ceux qui se trouvent face à elle. En vérité, quiconque a déjà aimé s'identifiera à l'exaltation - et à la sérénité - que ces couples partagent. Les critères de collecte n'ont pas changé : depuis les premières années de la photographie jusqu'aux années 1950, les archives Nini-Treadwell comprennent des daguerréotypes, des tirages argentiques à la gélatine, des plaques d'étain, des ambrotypes, des instantanés, et bien d'autres choses encore - le résumé de tout un siècle de techniques photographiques. Les sujets viennent de tous les milieux : soldats, fermiers, étudiants, jeunes et vieux, pauvres et riches, ce sont des couples d'hommes amoureux du monde entier, chaque photo étant l'histoire de deux êtres, saisie dans l'instant.
- L'ouvrage est la suite, très attendue, de ILS S'AIMENT : Un siècle de photographies d'hommes amoureux, 1850 - 1950, qui fut salué par la critique.
- Importance historique : le livre documente au passage un siècle d'évolution des techniques photographiques, depuis les daguerréotypes jusqu'aux instantanés, et offre une perspective historique unique sur l'histoire des personnes LGBTQ+.
- Représentation diversifiée : le livre contient des photographies de couples de tous milieux, soulignant ainsi l'universalité de l'amour par-delà les contextes sociaux et économiques.
- Dimension émotionnelle : le livre suscite des émotions puissantes en montrant la joie, la tendresse et l'intimité partagées par ces couples. -
Écho : Fabienne Verdier. Carnets d'atelier (2011-2017)
Alexandre Vanautgaerden, Valérie Hayaert
- Cinq Continents
- 17 Octobre 2025
- 9791254600856
Un ouvrage précieux pour les artistes, les chercheurs et les amateurs d'art
Le livre ÉCHO. Carnets d'atelier (2011-2017) contient une centaine de planches de Fabienne Verdier, mixte de collages, de dessins et de textes. Il est le deuxième tome de l'édition de ses carnets, couvrant les années 2011 à 2017, ainsi que deux grands projets, l'un autour des tableaux des maîtres flamands, l'autre autour du dictionnaire analogique Le Robert et de son regretté maître d'oevre Alain Rey. Réalisé parallèlement à son travail pictural, ce journal de bord nous permet d'entrer dans son processus de création.
Conçu comme un commentaire élaboré en symbiose avec les oeuvres d'autres artistes, écrivains et scientifiques, l'ouvrage se veut une proposition ouverte, autorisant une autre lecture de l'histoire de l'art, à partir d'un regard fondé sur l'analogie, qui renouvelle notre pensée sur la nature. Le texte de chaque planche est transcrit et prolongé par des textes faisant écho à ceux de l'artiste, qui décrit ainsi sa démarche : « Semblable à l'alternance du sommeil et de la veille, parfois je peins, parfois je lis et j'écris. Après mon expérience en Chine, relatée dans Passagère du silence, voici en ÉCHO. Carnets d'atelier (2011-2017) quelques intuitions qui résonnent en moi. Fille de l'air et de la terre, j'observe les forces à l'oeuvre dans la nature qui engendrent les formes. Celles-ci retentissent dans les oeuvres d'art et permettent d'élaborer de nouvelles théories scientifiques. Tantôt ce sont les textes, tantôt les images de l'Antiquité à nos jours qui nous guident dans ce livre de bord, conçu comme un dialogue avec mes contemporains. » -
L'Âge du papier : Félix Vallotton illustrateur
Julien Schuh, Katia Poletti, Sarah Burkhalter
- Cinq Continents
- 21 Mai 2025
- 9791254600986
Peintre, graveur, dessinateur, écrivain et critique d'art, Félix Vallotton (1865-1925) se distingue par son trait incisif, alliage de force décorative et d'expressivité mordante. Le renouveau qu'il a insufflé à la gravure sur bois dans les années 1890 l'a rapidement imposé dans les cercles artistiques et littéraires parisiens. Son talent d'illustrateur et dessinateur de presse prolifique a propagé sa notoriété bien au-delà des frontières de la France et jusqu'aux États-Unis. Il a illustré des bestsellers comme Poil de Carotte, de Jules Renard, et collaboré aux périodiques d'avant-garde les plus en vogue à l'époque : La Revue blanche, Le Rire, Le Cri de Paris, L'Assiette au beurre, Le Canard sauvage, à Paris, Jugend et Die Insel, à Munich et Berlin, The Studio, à Londres, The Century Illustrated Monthly Magazine, à New York, entre autres.
Cet ouvrage, qui réunit des essais critiques et une sélection d'environ 250 reproductions, explore cet aspect méconnu de l'oeuvre de Vallotton. Il paraît à l'occasion de la mise en ligne de Félix Vallotton illustrateur. Catalogue raisonné (Lausanne, Fondation Félix Vallotton & Lausanne/Zurich, Institut suisse pour l'étude de l'art (SIK-ISEA), Volume 32 de la série « Catalogues raisonnés d'artistes suisses »). -
Laure Pigeon : Infiniment bleu, Infinite blue
Flavie Beuvin, Vania Freitas, Anic Zanzi
- Cinq Continents
- 3 Octobre 2025
- 9788874394128
Découvrez une oeuvre graphique dense et spirituelle, entre messages de l'au-delà et créations uniques.
Laure Pigeon (1882-1965) est l'une des figures majeures de l'Art Brut, au même titre qu'Aloïse Corbaz ou encore Adolf Wölfli. La Collection de l'Art Brut, à Lausanne, possède probablement l'intégralité de sa production, ce qui correspond à plus de 400 pièces, avec des écrits, des cahiers, des dessins de petit format et une importante série de compositions à l'encre bleue de grandes dimensions. Ce corpus appartient à l'ensemble des créations acquises par Jean Dubuffet, la collection historique à l'origine du musée.
En 1978, la Collection de l'Art Brut organisait la première et seule exposition monographique dédiée à cette créatrice. En 2025, une nouvelle exposition lui est exclusivement consacrée. Elle propose un ensemble représentatif d'un travail graphique dense qui s'étend sur une période de trente ans.
À l'instar de Madge Gill, Jeanne Tripier, Augustin Lesage ou Raphaël Lonné, Laure Pigeon fait partie des spirites, ces femmes et ces hommes qui se sentent « désignés » par des messages de l'au-delà et délèguent la responsabilité de leurs créations à des défunts. Leur main, guidée, exécute ce que leur dictent les esprits.
Le catalogue en français et en anglais, propose des textes de plusieurs rédactrices et un grand nombre d'illustrations en couleur.
Exposition : Collection de l'Art Brut, Lausanne, 10 octobre 2025 - 1er février 2026
- Laure Pigeon est reconnue comme une figure importante de l'Art Brut, à l'instar d'Aloïse Corbaz et d'Adolf Wölfli.
- L'exposition offre un aperçu représentatif de ses travaux graphiques sur une période de trente ans.
- Un catalogue bilingue richement illustré, avec des textes en français et en anglais, accompagne l'exposition.
- Une artiste spirite : Laure Pigeon est l'une des figures du spiritisme, un mouvement artistique dans lequel les créateurs affirment être guidés par des esprits. -
Au-delà des apparences : Parcours amoureux de l'art moderne et contemporain d'Afrique
Ousseynou Wade, Célestin Koffi Yao
- Cinq Continents
- 7 Novembre 2025
- 9788874394876
Un regard unique sur l'art moderne et contemporain d'Afrique, de 1929 à nos jours.
Un aperçu de la Collection d'Art CBH. Le groupe bancaire familial suisse CBH Compagnie Bancaire Helvétique SA constitue sa propre collection d'art depuis plus d'une quinzaine d'années. L'art moderne et contemporain d'Afrique en est l'un des thèmes majeurs.
Les oeuvres réunies dans ce catalogue (peintures, sculptures, photographies) couvrent environ un siècle (1929-2025). Toutes ont été créées par des artistes nés ou ayant vécu une partie de leur vie en Afrique subsaharienne. Le succès grandissant des artistes africains d'aujourd'hui découle sans doute de leur héritage ancestral, qui reflète une vision du monde profondément originale à travers des couleurs éblouissantes, témoignant également d'un engagement social et écologique.
Dans les années 1920, des artistes sont identifiés par des missionnaires et quelques administrateurs coloniaux sensibles à l'art. Issus du Congo, du Kenya ou de l'Afrique du Sud, l'art africain se révèle et se développe tout au long du xxe siècle. La reconnaissance vient dans les années 1960 grâce à la création d'écoles d'art dans les grandes villes du continent, qui promeuvent une réappropriation culturelle par des formes d'expression inédites fondées sur une rencontre entre les permanences traditionnelles africaines et l'esthétique moderne formée dans le contexte des nouvelles mégapoles. Au tournant du millénaire, influencée par des mouvements artistiques spontanés, la vitalité de l'art se confirme et s'amplifie.
L'heure est à l'affirmation de tempéraments forts qui s'imposent dans le paysage artistique mondial. L'intérêt des artistes contemporains se porte sur l'Atlantique noir et ces communautés afro-américaines. L'Afrique délivre désormais son propre discours sur le monde. Ce sont ainsi près de quatre-vingts artistes qui se côtoient dans l'exposition du musée Rath.
- Ce catalogue offre un vaste aperçu de l'art africain moderne et contemporain sur près d'un siècle (1929-2025), ainsi qu'une perspective historique précieuse ;
- L'ouvrage met en lumière le rôle pivot des écoles d'art dans les années 1960, lorsqu'elles ont encouragé la réappropriation culturelle et l'émergence de nouvelles formes d'expression artistique mêlant tradition et modernité ;
- Il présente une variété d'expressions artistiques telles que la peinture, la sculpture et la photographie, livrant une vision riche et plurielle de la créativité africaine ;
- Le catalogue accompagne une exposition au prestigieux Musée Rath, lui conférant une signification accrue et un lien tangible avec une sélection d'oeuvres d'art. -
Bruno Sassarone révèle un Paris abstrait et radical. Jouant sur les effets de la lumière et de l'ombre, ses photographies offrent une nouvelle vision, qui transforme notre façon de voir la ville.
La série thématique Paris propose une approche abstraite de la représentation de la ville, tout en se fondant sur un rapport direct au réel, dans la lignée de la photographie moderniste. Elle s'en distingue toutefois par un perfectionnement obtenu grâce à la retouche numérique.
L'ombre est un élément essentiel participant à la simplification du réel et dissocie le lieu de son identification visuelle traditionnelle. L'épure ainsi créée permet de transfigurer, dans sa radicalité, la reproduction de Paris, en dépassant la vocation purement descriptive de la photographie.
Au premier regard, l'observateur appréhende le contraste de l'image dans sa globalité, seules les lignes claires se détachent de l'ombre. Après une période d'adaptation de l'oeil, les détails des zones d'ombre se révèlent pour donner un second sens à la photographie et en enrichir la perception.
La vision de Paris est alors redécouverte, en passant de l'ombre à l'abstraction.
- Les photographies de Sassarone dépassent le rôle purement descriptif de la photographie et offrent une vision abstraite et personnelle de Paris.
- Photographe au talent consacré, il a remporté en 2006 le Grand prix du magazine Photo (la couverture) et a exposé à la Maison Européenne de la Photographie (en tant que lauréat du concours SFR Jeunes Talents) et au Studio Harcourt Paris.
- Le livre est préfacé par l'actrice Aurore Clément, qui évoque à la fois son amitié pour l'artiste et son intérêt pour son oeuvre. -
Slavko Kopac : Hidden Treasure. Informal Art, Surrealism, Art Brut
Déborah Lehot-Couette, Katharine Conley, Fabrice Flahutez, Kent Minturn
- Cinq Continents
- 16 Janvier 2026
- 9788874394135
Slavko Kopac : Surréaliste, défenseur de l'Art Brut et figure-clé de l'Art informel. Cet ouvrage explore les multiples facettes de son oeuvre à travers divers médiums, soulignant son rôle essentiel dans la définition et la promotion de ces mouvements.
L'ouvrage accompagne l'exposition "Slavko Kopac. Hidden Treasure. Informal Art, Surrealism, Art Brut" (Florence, Accademia delle Arti del Disegno, septembre-novembre 2025). Il comporte un avant-propos de Bernard Blistène, ancien directeur du Musée national d'art moderne (Centre Pompidou) et artisan de l'acquisition par celui-ci de douze oeuvres de Kopac, il explore les multiples facettes d'un artiste qui a entretenu des liens étroits avec le surréalisme comme avec l'Art Informel et l'Art Brut.
Proche collaborateur de Jean Dubuffet, Slavko Kopac a également joué un rôle-clé dans la constitution et la promotion de la Collection de l'Art Brut, dont il fut le premier curateur. Son univers magique, totémique, a fasciné les surréalistes et donné matière à une collaboration avec André Breton. À la même époque, le critique Michel Tapié l'a intégré à son livre Un Art Autre (Paris, Gabriel Giraud et Fils, 1952 ; rééd. Artcurial, 1994) ainsi qu'à l'exposition éponyme, tout en reconnaissant son originalité au sein de l'Art Informel.
Kopac a utilisé la peinture, le dessin, la céramique, la sculpture, le collage et le livre d'artiste pour son exploration de la matérialité, où s'entrecroisaient réalité et imagination. Le présent volume comporte des contributions d'universitaires de niveau international ainsi qu'une riche iconographie, incluant des oeuvres et des pièces d'archives inédites à ce jour.
Exposition : Accademia delle Arti del Disegno, Florence, septembre-novembre 2025
- L'oeuvre de Kopac jette un pont et une intersection avec trois importants mouvements artistiques : le surréalisme, l'Art Informel et l'Art Brut. Cela fait de lui une figure d'une importance considérable pour comprendre le paysage artistique de l'après-guerre.
- Le rôle pivotal de Kopac en tant que premier curateur de la Collection de l'Art Brut pour Jean Dubuffet ajoute une couche supplémentaire d'importance à son héritage.
- Le livre présente des contributions d'universitaires de premier plan et inclut une richesse d'oeuvres jusqu'à présent inédites et de matériaux d'archives, offrant des aperçus nouveaux sur la vie et l'oeuvre de Kopac.
- L'exposition et le livre explorent les riches dialogues et échanges artistiques qui ont façonné le développement de Kopac, soulignant les interconnexions dans le monde de l'art au milieu du XXe siècle. -
L'incroyable architecture des coquillages
Les mollusques sont de remarquables bâtisseurs, dont les prouesses architecturales sont presque sans égales dans le monde animal. Qui d'entre nous n'a jamais admiré la structure merveilleuse du moindre coquillage ramassé sur la plage ? Certains passionnés les collectionnent tout au long de leur vie, motivés par leur beauté s'ils sont esthètes, ou dans un but scientifique comme Jacques Senders, dont la fantastique collection, commencée il y a cinquante ans, nous est rendue accessible, grâce aux photographies spectaculaires de Paul Starosta, par ce livre aujourd'hui réédité dans un nouveau format.
Ces merveilles de la nature, évoquent naturellement une architecture exotique ou futuriste, des vases antiques ou Art Nouveau, voire des pierres précieuses ou des roches volcaniques, et réaffirment l'importance de la nature comme source d'inspiration des artistes et des architectes. L'ouvrage, en célébrant l'extraordinaire variété et le raffinement architectural des coquillages de la collection de Jacques et Rita Senders, nous révèle un univers où la nature surpasse largement la fantaisie et l'inspiration humaines.
En fin de volume, des photographies miniatures sont accompagnées d'informations scientifiques sur les mollusques, leur vie, leurs caractéristiques et leurs différentes familles. -
La beauté secrète des graines, facette cachée de la nature
Paul Starosta est un photographe naturaliste français, célèbre pour avoir décelé et révélé le caractère foncièrement artistique de la nature. Les 200 superbes photographies de ce livre étonnant, aujourd'hui réédité dans un nouveau format, illustrent la beauté et la complexité des graines, y compris les plus petites d'entre elles. C'est en s'appuyant sur les collections de Jean Laty et de l'association La Voie des fleurs à Draveil (Essonne) qu'il a pu réaliser ces images aux formes et aux couleurs infinies et aux détails stupéfiants : certaines évoquent des fleurs, d'autres des pierres ou des sculptures, d'autres encore des bijoux ciselés par un orfèvre imaginaire.
La beauté presque magique de ces chefs-d'oeuvre détenant le mystère de la vie, tant dans l'infiniment petit que dans l'infiniment grand, est sublimée par les jeux d'ombre et de lumière. Ces petites merveilles en évoquent d'autres, nous rappelant des oeuvres d'art ou des détails architecturaux. L'homme est lui-même nature, et c'est toujours sous l'inspiration de la nature qu'il a composé ses créations les plus étranges ou les plus audacieuses.
En fin de volume, des photographies en format réduit sont accompagnées d'informations scientifiques sur les graines, leur vie, leurs caractéristiques et leurs différentes familles. -
L'art de vivre à travers les âges. Explorez le raffinement des arts décoratifs européens dans le catalogue de la Fondation Gandur pour l'Art. Un ouvrage richement illustré pour les passionnés d'histoire et d'art.
Après un premier volume consacré aux objets et sculptures profanes et sacrés du XIIe au XVIIIe siècle, ce deuxième catalogue de la collection arts décoratifs de la Fondation Gandur pour l'Art s'intéresse plus spécifiquement à l'art d'habiter. De l'aube de la Renaissance à la fin du siècle des Lumières, meubles, coffrets, boîtes, horloges, luminaires, ivoires tournés et coupes en orfèvrerie dressent un panorama de la création européenne dans sa dimension proprement décorative.
Dirigé par Fabienne Fravalo, conservatrice de la collection arts décoratifs à la Fondation Gandur pour l'Art, ce catalogue est introduit par deux essais, écrits respectivement par Sophie Mouquin, maîtresse de conférence à l'Université de Lille, et Caroline Heering, professeure à l'Université catholique de Louvain. Il présente les objets majeurs de la collection, étudiés et analysés par des conservateurs et des chercheurs travaillant dans des institutions allemandes, américaines, anglaises, belges, françaises et suisses.
- Ce deuxième catalogue de la Fondation Gandur pour l'Art se concentre sur l'art d'habiter et offre un aperçu unique de la création européenne dans ce domaine spécifique.
- Période historique riche : le catalogue couvre une période allant de l'aube de la Renaissance à la fin du siècle des Lumières.
- Chaque objet est replacé dans son contexte social, culturel et religieux, permettant une meilleure compréhension de sa signification et de sa fonction.
- Édition bilingue : le catalogue est disponible en français et en anglais, ce qui le rend accessible à un public international.
- Cet ouvrage de référence est un outil précieux pour les chercheurs, les collectionneurs et les amateurs d'art intéressés par les arts décoratifs européens. -
Alejandro Merizalde capte pour nous la beauté cachée de Venise. Échappant aux foules de touristes, il se concentre sur les instants paisibles de la vie de la cité et sur les paysages sereins de la lagune. Grâce à sa pratique de la pose longue, il nous révèle une Venise épargnée par le tourisme de masse.
Alejandro Merizalde photographie Venise depuis 2008. Lors de ses premières visites, il avait cru étouffer au milieu de la foule, mais quelques années plus tard, à la faveur d'un séjour hivernal, les ciels couverts et l'atmosphère brumeuse lui ont permis de redécouvrir la beauté légendaire de la ville, à l'écart des perturbations causées par le tourisme de masse.
À partir de 2013, il s'est entraîné à la technique de la pose longue afin d'éliminer les distractions liées à l'activité humaine pour mieux se concentrer sur la composition architecturale de ses images. Ce changement d'approche lui a fait progressivement comprendre qu'il ne s'intéressait plus aux éléments iconiques de Venise, comme la basilique Saint-Marc, le pont des Soupirs ou encore les gondoliers, pour ne citer que ceux-là. Il a renoncé depuis aux lieux trop prévisibles et habitué son objectif à photographier la lagune et les parties de la ville que les Vénitiens habitent réellement.
- Le livre met en valeur des parties moins connues de Venise, nous livrant un aperçu de la vie quotidienne des habitants.
- La technique de la pose longue produit des images fascinantes de la lagune et du paysage urbain de Venise.
- Les images de Merizalde saisissent l'essence véritable de Venise, son histoire, sa culture et sa beauté. -
Ce volume présente le travail photographique inédit réalisé par Luigi Spina dans le Parc archéologique de Pompéi avec un appareil Hasselblad. Spina a pu ainsi se plonger au coeur de plus de 60 domus, fouler leurs péristyles, parcourir leurs pavements de mosaïque, scruter la composition de l'opus sectile, éprouver la chaleur du rouge pompéien, sans oublier de s'arrêter, fût-ce plus brièvement, sur les murs couverts de fresques, les colonnes au revêtement de plâtre, les perspectives ouvertes sur le paysage environnant. À l'époque où le Parc archéologique, durant la pandémie, était fermé au public, et où nous étions tenus de nous confiner dans nos appartements, Luigi Spina a élu domicile à Pompéi, a habité ses maisons, a vu la lumière naturelle donner sa forme à la ville et en a recueilli les variations.
Il a ressenti dans sa chair l'archéologie vivante, le classicisme vibrant. Telle est la genèse de Interno pompeiano, un album photographique où la recherche plastique s'enrichit, pour chacune des huit regiones, de textes brefs qui accompagnent le lecteur dans l'exploration de chaque domus en éclairant ses particularités et en évoquant les anecdotes insolites qui lui sont liées. Deux textes sur la naissance et le développement de l'imaginaire pompéien viennent compléter l'ensemble. -
Peignes de l'Afrique de l'Ouest : West African Combs from the Mina and Samir Borro Collection
Sarah Boukamel, Alain-Michel Boyer, Najwa Borro
- Cinq Continents
- 5 Septembre 2025
- 9788874394845
Peignes de l'Afrique de l'Ouest : une centaine de pièces sublimes d'une collection privée exceptionnelle. Un hommage à l'art et à la beauté.
Cet ouvrage pensé comme un bijou présente une sélection d'une centaine de peignes de l'Afrique de l'Ouest provenant de l'une des plus importantes et des plus belles collections privées d'arts de l'Afrique subsaharienne. Cet ensemble inédit, constitué d'une sélection d'oeuvres rigoureusement choisies et rassemblées durant plus de soixante années, s'accompagne d'un texte déterminant d'Alain-Michel Boyer, qui signe ici son dernier ouvrage initié il y a près de dix ans sur une thématique rarement abordée. En plus de nous offrir des développements précieux sur les cultures dont ces sculptures miniatures sont issues (Côte d'Ivoire, Ghana, Burkina Faso, Nigeria), il interroge l'expérience même de la forme : métamorphosant l'accessoire, ces créations exaltant la beauté pure sont traitées avec un souci esthétique élevant la parure corporelle au rang des beaux-arts.
- Une sélection exquise de peignes de l'Afrique de l'Ouest provenant de l'une des plus importantes collections privées d'arts de l'Afrique subsaharienne ;
- Un ensemble inédit d'oeuvres rigoureusement sélectionnées et rassemblées durant plus de soixante années ;
- L'ouvrage est accompagné d'un texte déterminant d'Alain-Michel Boyer ;
- Offre des développements précieux sur les cultures d'origine des peignes (Côte d'Ivoire, Ghana, Burkina Faso, Nigeria) ;
- Référence essentielle pour les passionnés d'art africain et d'anthropologie. -
Rien de trop beau pour les dieux : Autels et artistes contemporaines
Jean-Hubert Martin, Bérengère Primat
- Cinq Continents
- 5 Mars 2025
- 9791254600870
Un dialogue entre les cultures à travers l'art sacré
La mondialisation nous a contraints à cesser de penser qu'il n'était d'art qu'occidental. La notion d'art telle qu'inventée par l'Occident désigne en effet la version savante de sa culture matérielle. Elle a ensuite été projetée sur d'autres civilisations, en particulier asiatiques, et enfin sur les sociétés sans écriture, africaines ou océaniennes. Que ces cultures possèdent ou non la notion d'art importe peu, car lorsqu'elles honorent leurs dieux, c'est nécessairement avec ce qui, pour elles, est le plus beau. Cette ouverture à d'autres esthétiques s'est longtemps opérée pour les arts du passé, jusqu'à ce que nous admettions enfin qu'il existait des créateurs vivants dans ces contrées éloignées, que les moyens de communication actuels nous rendent plus proches.
Pour autant, ces « autres » apparus dans notre champ de vision depuis les années 1980 ne constituent en rien un ensemble homogène. Sans pousser trop loin l'analyse, on peut distinguer deux attitudes : ceux qui ont opté pour la modernité et se soumettent aux stratégies exigées par le marché et les institutions d'obédience occidentale, et ceux qui consacrent leur activité à des expressions visuelles dans le cadre de leurs communautés et de leurs croyances, sans contact avec le marché de l'art. L'art aborigène australien représente une situation intermédiaire car il existe, à côté d'oeuvres à caractère sacré, une production destinée à la vente, encouragée au départ par les missionnaires.
Rien de trop beau pour les dieux s'emploie à montrer la variété des productions issues de la spiritualité, depuis celles qui servent aux rites religieux jusqu'aux oeuvres d'art contemporain qui s'y réfèrent, et qui sont souvent le fruit de négociations avec la modernité. L'exposition, comme le livre qui l'accompagne, réunit des autels africains, caribéens et asiatiques, mais aussi des oeuvres d'artistes investis de charges religieuses (Didi, Shiraga), ou se référant explicitement aux religions et à la spiritualité (Sooja Kim, El Anatsui, Vasquez de la Horra, Bedia, Boltanski, Viola), ou simplement croyants (Ramoun).
Exposition à la Fondation Opale, Lens - Crans-Montana, Valais, Suisse du 15 décembre 2024 au 25 avril 2025 -
Artiste Warli, Jivya Soma Mashe a peint des peintures exceptionnelles, d'inspiration animiste, qui ont reçu des éloges dans le monde entier et ont été exposéex dans des lieux prestigieux, comme le Centre Pompidou.
Ceci est le premier livre entièrement consacré à l'oeuvre de Jivya Soma Mashe, qui soutient, de par sa qualité, la comparaison avec celle d'autres artistes tout aussi marquants et énigmatiques que Bill Traylor ou Frédéric Bruly Bouabré, qui élargissent notre capacité à comprendre la diversité des formes et des cultures.
Jivya Soma Mashe (1934-2018) est une figure légendaire au sein de son peuple, les Warli, qui compte quelque 300 000 personnes vivant sur un territoire situé à 150 kilomètres environ au nord de Mumbai (État du Maharashtra, Inde). Animistes, les Warli parlent une langue qui ne s'est jamais dotée d'un système d'écriture. Il semble que, de toute éternité, les éphémères peintures rituelles qui ornent les murs de leurs huttes aient été peintes, de toute éternité, par les femmes de la tribu. Les Warli ont élaboré une pictographie relativement rudimentaire, à base de cercles, de triangles et de carrés, pour exprimer leur culture animiste et représenter au centre de chaque peinture leur divinité unique, la déesse-mère Palghatta.
Ayant perdu sa mère à un âge encore jeune, Jivya Soma Mashe s'est réfugié dans le dessin, développant un style personnel qui a d'abord fait l'admiration de ses pairs, puis celle des autorités régionales, nationales et internationales, recevant dès 1976 son première distinction nationale - des mains d'Indira Gandhi en personne. Ses oeuvres ont connu une consécration éclatante à l'exposition "Magiciens de la terre" du Centre Pompidou en 1989, puis à celle célébrant, en 2014, le trentième anniversaire de la Fondation Cartier.
- Ce livre est la seule monographie d'ensemble consacrée à Jivya Soma Mashe, ce qui en fait un ouvrage de référence irremplaçable.
- L'oeuvre de Mashe a été présentée dans de prestigieuses expositions comme celle des "Magiciens de la terre" (Centre Pompidou) ou celle du 30e anniversaire de la Fondation Cartier, attestant de sa reconnaissance universelle.
- Mashe a été comparé à d'autres artistes énigmatiques comme Bill Traylor et Frédéric Bruly Bouabré, ce qui le situe dans une lignée d'artistes autodidactes des plus respectés.
- Le livre offre une immersion en profondeur dans l'art de la tribu Warli, et par là-même un aperçu de leurs croyances et traditions animistes. -
Écho, carnets (2017-2022)
Alexandre Vanautgaerden, Fabienne Verdier
- Cinq Continents
- 19 Mai 2023
- 9791254600283
Ce volume, qui sera suivi d'un second, réunit une centaine de planches extraites du journal personnel de Fabienne Verdier: collages, dessins et textes se succèdent, se font écho et mettent en évidence le processus créatif de l'artiste. Ces carnets ont été composés par Fabienne Verdier au cours des cinq dernières années (2017-2022), parallèlement à son activité de peintre. Ils recuillent ainsi les stimulations, les idées à développer, les réflexions, sans oublier le dialogue ininterrompu avec les oeuvres d'autres artistes, d'écrivains et de scientifiques. L'ouvrage dirigé par Alexandre Vanautgaerden a été conçu comme une proposition ouverte permettant une lecture différente de l'histoire de l'art à partir de l'analogie, approche graçe à laquelle notre regard sur la nature se renouvelle. Les textes ont été transcrits par l'artiste, mais aussi enrichis de ses propres commentaires.
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Graver la lumière : l'estampe en 100 chefs-d'oeuvre
Florian Rodari
- Cinq Continents
- 7 Juillet 2023
- 9791254600368
Albrecht Dürer, Rembrandt, Piranèse, Tiepolo, Palézieux, Morandi et Corot, tels sont quelques-uns des grands noms figurant dans les pages de ce volume qui accompagnera l'exposition proposée par le musée Marmottan Monet de Paris dès le début du mois de juillet 2023.
Les oeuvres présentées dans l'ouvrage sont de véritables chefs-d'oeuvre de la gravure et de l'héliographie. Leurs reproductions permettent de retracer l'histoire de la gravure, de la xylographie du XVe siècle aux inventions plus libres du XXe siècle, dont certaines sont dues à des artistes outsiders.
La narration visuelle ne suit pas un parcours chronologique : Florian Rodari, éditeur de l'ouvrage, s'est fixé pour objectif de faire ressortir les affinités entre les maîtres anciens et les artistes modernes, ce qu'un rapprochement libre et sensible est seul à permettre.
Loin de l'idée de confrontation et de hiérarchie, ce volume rappelle que les interrogations formelles et les ambitions techniques transcendent le temps de l'histoire de l'art. -
« Que les Américains s'en rendent compte ou non, sa façon de voir la photographie est devenue la nôtre » (parlant de Szarkowski) U.S. News & World Report AVP D 67/107 Août et septembre 2012 Quarante ans après sa première parution aux États-Unis, L'oeil du photographe de John Szarkowski, oeuvre de référence dans l'histoire de la photographie, est pour la première fois à la disposition du public français.
Cet ouvrage se propose d'enquêter sur la façon dont se présentent les photographies et sur les raisons qui en font ce qu'elles sont. Il s'intéresse au style et à la tradition photographiques, aux possibilités qui s'offrent au photographe dans l'exercice de son travail. L'invention de la photographie a permis un processus radicalement nouveau de production des images - un processus fondé non plus sur la synthèse, mais sur la sélection. La différence est fondamentale.
Les tableaux sont faits - construits à partir d'un arsenal de schémas, de compétences et de comportements traditionnels - alors que les photographies, comme on le dit couramment, sont prises. Cette différence a soulevé un problème créatif d'un genre nouveau : comment faire pour que ce procédé mécanique et sans âme produise des images porteuses de sens en termes humains - des images dotées de clarté et de cohérence et qui dénotent un point de vue ? L'OEil du photographe, fondé sur une exposition de 1964 et publié en 1966, est une excellente introduction à l'art de la photographie. Il rassemble des oeuvres de maîtres incontestés aux côtés de celles de photographes inconnus, permettant de cerner avec exactitude le langage visuel de l'artiste photographe et révélant l'exceptionnel potentiel de ce médium. Ces photographies sont classées en cinq sections, dont chacune concerne plus particulièrement l'un des cinq choix décisifs qui s'imposent à l'artiste dont l'outil est un appareil photo : la chose en elle-même, le détail, le cadrage, le temps, le point de vue.
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Explorez une terre façonnée par le temps et par le feu. Dans Campi Flegrei. Burning Earth, les photographies de Luigi Spina témoignent de la force brute de la nature et de la longue présence de l'homme.
Les Champs Phlégréens, site sismiquement actif des environs de Naples, ont tout pour nous séduire, nous stimuler, mais aussi nous interpeller. Parlant à notre âme comme à nos sens, ils nécessitent d'être interprétés plutôt que simplement fixés sur pellicule.
Des hommes ont en effet choisi de vivre au coeur de ces formations volcaniques et géologiques uniques, tissant la trame d'une occupation humaine continue et apprivoisant cette terre en perpétuelle transformation, l'un des milieux à la fois les plus rudes et les plus enchanteurs qui soient. Notre espèce a ainsi opposé aux convulsions inévitables et incontrôlées du globe sa propre impermanence, ce qui nous vaut de pouvoir contempler quelques-uns de ses plus glorieux accomplissements, tels que Cumes, première des colonies grecques de la Méditerranée occidentale, le port romain de Pouzzoles à l'activité débordante, mais aussi la dolce vita savourée par les Anciens dans les thermes et les villas qui parsemaient la baie de Baïes.
Luigi Spina explore l'endroit depuis 2020, s'immergeant dans sa géographie complexe et stratifiée, dont les jalons essentiels sont des lieux de mémoire (sites archéologiques, monuments, paysages) qui, en tant que "repères perceptifs", nous aident à comprendre cet univers dans lequel nature et ruines antiques sont indissociables de la présence écrasante de l'homme. Entre mimétisme et contradiction, les Champs Phlégréens sont aujourd'hui recouverts d'un dense tissu urbain, où Antiquité et modernité coexistent en un équilibre culturel et social aussi précaire que complexe et difficile à gouverner.
Aux Champs Phlégréens, la mémoire est une présence constante, inscrite non dans des cases temporelles simplement définies comme "autres" que le présent, mais dans un dialogue incessant et délicat avec le monde contemporain. Spina explore et photographie des lieux tels que la grotte de la Dragonara, la Piscina Mirabilis, le théâtre de Misène, l'amphithéâtre Flavien de Pouzzoles, le temple d'Apollon au bord du lac Averne, les "temples" de Vénus et de Diane, au gré de ses marches à travers les collines surplombant Baïes, qui finissent par le ramener vers Cumes.
- Les photographies de Luigi Spina se concentrent sur un certain nombre de lieux-clés, parmi lesquels des sites archéologiques et des paysages, qui sont autant de "repères perceptifs" reliant nature, ruines antiques et présence humaine.
- Le livre atteste de la coexistence complexe, en équilibre précaire, entre mémoire de l'Antiquité et urbanisation moderne.
- Le travail de Spina présente des lieux évocateurs comme la grotte de la Dragonara, la Piscina Mirabilis, le théâtre de Misène, l'amphithéâtre Flavien, le temple d'Apollon, les temples de Vénus et de Diane.
- Le texte, co-écrit par Fabio Pagano, directeur du Parc archéologique des Champs Phlégréens, fournit au lecteur un éclairage archéologique scientifiquement autorisé. -
Le photographe Eugène Atget est surtout connu pour sa chronique en images d?un Paris romantique, bien qu?en voie de disparition, au tournant du xxe siècle. Ce livre explore un autre aspect de son ?uvre en présentant une série de cartes postales sur les petits métiers parisiens.
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Une approche non conventionnelle
Ce volume, qui accompagne l'exposition "Art Brut Cuba" organisée à Lausanne par la Collection de l'Art Brut, réunit des textes d'auteurs cubains et de spécialistes du domaine, ainsi que des reproductions d'oeuvres et des lettres inédites se trouvant dans les archives de la Collection.
L'exposition constitue une plongée dans l'univers de l'art outsider cubain, plus de quarante ans après l'exposition fondatrice née du désir de Jean Dubuffet de faire entrer dans la Collection de l'Art Brut les oeuvres d'artistes cubains rassemblées par son ami Samuel Feijóo, qui fut le commissaire de l'exposition de 1983.
Cuba, du fait de son insularité, de son histoire particulière, de l'isolement politique et économique qui lui fut longtemps imposé, constitue un terreau fertile pour des créations non influencées par les traditions culturelles du monde extérieur.
L'exposition comprend deux sections : la première présente les productions les plus emblématiques du groupe Signos, fondé par Feijóo à la fin des années 1960 pour promouvoir la culture populaire cubaine à travers les arts graphiques ; la seconde celles, récentes, d'artistes outsiders du Studio Riera. La plupart des oeuvres exposées sont réalisées avec des matériaux naturels - bois, fibre de jute - ou de récupération - cartons d'emballage, journaux, ferraille, déchets recyclés.
Ces créations sont le reflet de l'expérience personnelle de leurs auteurs, de leurs univers intérieurs, de leurs obsessions, mais aussi du contexte économique, social et politique de leur pays. Elles donnent de Cuba une vision authentique, alternative, bien éloignée des stéréotypes souvent associés à ce pays.
Exposition : Collection de l'Art Brut, Lausanne, du 5 décembre 2024 au 27 avril 2025 -
Jean Paul Riopelle : en mouvement (1923-2002)
Pierre B. Landry
- Cinq Continents
- 15 Janvier 2025
- 9791254600689
Portrait intime et documenté d'un artiste emblématique
Dans son imposante somme biographique intitulée Jean Paul Riopelle en mouvement (1923- 2002), Pierre B. Landry brosse un portrait de l'homme et de l'artiste que fut Riopelle sous la forme d'une chronologie inédite : archives photographiques, documents et citations de première main, ainsi que les oeuvres phares du peintre, ponctuent une vie qui nous est révélée grâce à un travail de recherche sans précédent.
Non content de se pencher sur ce géant de l'art contemporain qu'est Riopelle, Landry s'intéresse à son époque, à ses amitiés, principalement françaises et québécoises, ainsi qu'aux divers mouvements et discours de l'histoire de l'art dont son oeuvre et sa réception sont traversées.
Articulée en six temps, cette chronique s'ouvre sur les jeunes années du peintre et se clôt en 2002, l'année de sa mort. Une préface de John Porter, membre fondateur et secrétaire de la Fondation Jean Paul Riopelle, et une postface de Guillaume Savard, directeur des contenus de l'Espace Riopelle (MNBAQ), complètent cet ouvrage exhaustif et incontournable sur la vie et l'oeuvre du peintre. -
Chore´graphe majeur de la nouvelle vague franc¸aise de la fin des anne´es 80, Philippe Decoufle´
n'a cesse´ de cre´er des univers a` mi-chemin de la danse, du cine´ma et du dessin anime´ vivant.
Chacune de ses productions, depuis Codex premier triomphe international, re´ve`le des mondes
burlesques, fantastiques. Surtout, le cre´ateur s'entoure d'artistes a` la hauteur de son talent pour
magnifier les corps. Le costume de sce`ne reve^t une importance toute particulie`re pour Philippe
Decoufle´, au point d'avoir cre´e´ avec des pointures comme Philippe Guillotel ou Charlie Le
Mindu le plus beau vestiaire de la danse contemporaine.
Des Jeux Olympiques d'hiver d'Albertville (1992) dont le CNCS conserve les costumes, a` ses
productions pour DCA, sa compagnie, Le Crazy Horse ou Le Cirque du Soleil (Iris), cette
exposition enchante´e explore les milles et une facettes du magicien Decoufle´ . Enrichi d'archives
vide´os et de dessins, de clips et de films, Philippe Decoufle´, Expose´?!, premie`re monographie
muse´ale du genre avec plus de 200 pie`ces, trouvera dans les espaces du Centre national du
costume et de la sce`ne un terrain de jeu ide´al. Surtout l'exposition permet de montrer a` un large
public diffe´rents aspects de la cre´ation et de sa conservation, de de´rouler un re´pertoire vivant. Des
rendez-vous pour le jeune public, des confe´rences ponctueront «Plane`te(s) Decoufle´ !».
Cette exposition s'inscrit par ailleurs dans le cadre des e´ve`nements autour des Jeux Olympiques
de Paris 2024. -
Masques Salampasu : Visages d'ancêtres guerriers
Franck Herreman
- Cinq Continents
- 6 Septembre 2024
- 9791254600733
Un trésor pour les amateurs d'art africain
Les Salampasu habitent dans la province du Kasaï oriental en République démocratique du Congo. Tout au long de leur histoire, ils ont pu résister à la domination de peuples voisins Luba, Chokwe et Lunda. Finalement, ils ont dû accepter la domination des autorités coloniales Belges. Ce peuple Salampasu n'a pas de pouvoir central. Chaque communauté villageoise connait sa société de guerriers qui la protège contre des hostilités. Les guerriers organisent également des spectacles masqués. Les guerriers âgés sont les propriétaires et gardiens de ces masques. Ils donnent la permission aux jeunes hommes de danser avec les masques. Les masques Salampasu ont une conception formelle très reconnaissable. Ils ont un grand front bombé, le nez large et plat, des yeux enfoncés et une bouche ouverte aux dents limées. En plus, il existe une grande variation dans la manière dont les visages sont peints ou recouverts de métal. Ainsi, ces masques obtiennent une expression dramatique, voire agressive, qui redonne vie aux ancêtres guerriers. Au total, la collection Lanfranchi se compose d'une cinquantaine de masques. Dans cet ouvrage, chaque masque est décrit et analysé. Ceci permet ensuite montrer les similitudes ou les différences mutuelles. Ensuite, des attributions hypothétiques peuvent être faites quant à savoir si certains masques ont été réalisés par le même sculpteur ou proviennent du même atelier.
