How Kahlo collected, celebrated and depicted Mexican folk arts in both her painting and her persona.
The visionary and supremely self-fashioning artist Frida Kahlo (1907-54) drew inspiration throughout her career from arte popular--painted ceramics, embroidered textiles, religious votives, effigies and children's toys, and other objects created in Mexico's rural and Indigenous communities. The hundreds of folk-art objects that filled her home and studio attest to her nationalist politics and her fascination with the work of carvers, weavers, sculptors of papier-mâché and vernacular painters. She depicted these objects in her paintings and adopted elements of traditional dress and ornament in her own self-presentation, playing on modernist fascination with folk culture and on her own relation to layered Mexican identity.
This bilingual book, the first in-depth exploration of Kahlo's varied and sophisticated responses to arte popular, situates her within the broad artistic and intellectual movements of her time, examines her professional ambitions and illuminates the innovative techniques she used in her lifelong encounter, both playful and powerful, with the folk art of Mexico.
Exploitant la tenue vestimentaire comme élément essentiel de son propre art, John Singer Sargent a utilisé les vêtements pour affirmer son propre programme esthétique tout en définissant simultanément la position sociale, la profession, l'identité de genre et la nationalité de ses modèles. Fashioned by Sargent explore la relation complexe entre la peinture de John Singer Sargent et les vêtements à travers de nombreuses reproductions de ses oeuvres aux côtés de costumes de l'époque, y compris des vêtements réellement portés par ses modèles. Les essais rédigés par des chercheurs de renom éclairent des sujets tels que les portraits et les performances, l'expression du genre et les codes de la nouvelle femme de l'époque, offrant aux lecteurs de nouveaux aperçus des chefs-d'oeuvre de l'artiste américain.
L'histoire de la Renaissance en Italie est souvent racontée à travers le travail de grands artistes tels que Michel-Ange, Raphaël, Donatello et Léonard. Mais qu'en est-il de la moitié féminine de la population ? En explorant des oeuvres réalisées par, pour ou sur des femmes, ce livre vise à reconsidérer une période d'ingéniosité créative et d'excellence artistique depuis cette perspective souvent négligée. S'appuyant sur la riche collection de peintures, céramiques, textiles, livres illustrés et estampes du Musée des Beaux-Arts de Boston, le livre se concentre sur les images représentant le pouvoir féminin, à la fois sacré et profane, racontant l'histoire de personnages célèbres tels que Marie-Madeleine, Judith ou encore Médée. Les femmes ont également affirmé leur présence en tant qu'artistes, artisanes et mécènes : Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Vittoria Colonna, Isabella d'Este et Eleonora Gonzaga ne sont que quelques-unes des femmes ayant considérablement contribué au rayonnement de la Renaissance italienne.
Au début des années 1980, les graffitis ont commencé à passer des murs et des rames de métro de New York aux toiles et aux galeries d'art. De jeunes artistes, en grande partie afro-américains ou latins, ont imprégné la scène artistique du centre-ville de compositions expressionnistes et pop. Jean-Michel Basquiat est sans doute la figure emblématique de ce mouvement, mais il n'était pas seul à contribuer au changement en acte. Writing the Future, publié pour accompagner une grande exposition au MFA de Boston, met en relation le travail de Basquiat avec celui de ses pairs associés à la culture hip-hop. Avec des contributions de Carlo McCormick, Liz Munsell, Hua Hsu, J.Faith Almiron et Greg Tate.
Lady Murasaki's Tale of Genji has delighted readers for more than 1,000 years and inspired writers to create numerous parodies. Artists have responded with a rich parallel tradition illustrating the courtly intrigues, love affairs and shifting alliances of the epic novel, as well as its retellings. This lavishly illustrated volume explores interpretations of the original story and its spinoffs by master printmakers such as Kunisada, as well as Hiroshige, Suzuki Harunobu and Chobunsai Eishi, bringing the characters to life in dazzling woodblock prints from the peerless collection of the Museum of Fine Arts, Boston.With insightful commentary from a leading Japanese print scholar, this book invites readers to explore the colorful world of The Tale of Genji and its visual afterlife.
Ce livre s'intéresse à la contribution des artistes néerlandais au mouvement de l'Art Nouveau. Plus d'une centaine d'oeuvres - dessins, gravures, lithographies et aquarelles - y sont présentées par ordre chronologique, dressant un très bel aperçu de l'iconographie de cette époque.
Publié à l'occasion d'une exposition au Museum of Fine Arts de Boston, cet album de 60 dessins de Klimt et Schiele présente les chefs-d'oeuvre provenant de la collection de l'Albertina de Vienne, des plus académiques aux plus introspectifs. Bien qu'ayant 30 ans d'écart, les deux artistes se sont mutuellement inspirés et tous deux ont réinventé la pratique artistique de leur temps, explorant les limites de la représentation.
Formé à l'école des Beaux-Arts de Paris, John Singer Sargent (1856-1925) développe une oeuvre picturale vaste et variée. La peinture de plein air, à l'aquarelle, lui offre d'infinies stimulations picturales et une liberté d'expérimentation de couleurs et de textures que ne lui permettent pas ses travaux de commande. Ce catalogue d'une exposition au Museum of Fine Arts de Boston présente une centaine de ses oeuvres qui dépeignent tour à tour l?architecture, la nature, les peuples exotiques, les paysages de montagne, sa famille et ses amis.
Au tournant du XIXe siècle, une communauté de joaillers unie par les idéaux de l'Arts & Crafts créa des bijoux qui contribuèrent à définir le « Boston look », caractérisé par des pierres colorées et des émaux brillants insérés dans une composition réalisée à la main. Le Museum of Fine Arts de Boston expose les chefs-d'oeuvre de raffinement de ces créateurs, comme Franck Gardner Hale, figure principale de cette communauté et leader de la Society of Arts & Crafts de la ville, aux côtés de ceux de Josephine Hartwell Shaw, Edward Everett Oakes, Margaret Rogers, Elizabeth Copeland...
How design made America modern: masterpieces of furniture, metalware and plastics from the early 20th century.
During the 1920s and 1930s, the speed of modern life in the United States, accelerated by advances in transportation, communication, technology and advertising, changed how people lived their lives, and the objects they chose to live with. A new profession emerged to help American manufacturers and consumers navigate the overwhelming transitions of the era. Through the power of design--form, color, ornament and materials--the earliest industrial designers created a modern aesthetic that came to represent American hopes, dreams and fantasies.
America Goes Modern explores these designers' achievements through close examination of selected masterworks. Each of these exceptional objects offers a window into the social, cultural, technological and economic world in which they were made and used. The book features sleek furniture, vibrant ceramics, streamlined metalwares and innovative plastics from the leading designers of the era.
Designers include: Norman Bel Geddes, Manning Bowman Company, Jules Buoy, Donald Deskey, Paul Frankl, Earl Harvey, Ianelli Studios, Belle Kogan, William Lescaze, Erik Magnussen, Peter Muller Munk, Gilbert Rhode, RumRill Art Pottery, Victor Schreckengost, Walter Dorwin Teague, The Hall China Company, Harold Van Doren, John Vassos, Kem Weber, Western Coil and Electric Company and Russel Wright.
Photographers and painters include: Berenice Abbott, Arthur Dove, Archibald Motley, Alvin Langdon Coburn, M. Murray Lebowitz, Norman Lewis, Max Weber, Margaret Bourke-White, Henry Callahan and Alfred Stieglitz
Une collection de bijoux de l'ancienne Nubie fait l'objet d'une exposition éblouissante au Musée des beaux-arts de Boston (19/07/14 - 14/05/17). Ce catalogue présente plus d'une centaine de parures et accessoires datant de 1700 av. J.-C. à l'an 300 ap. J.-C et révèle aussi comment les artisans nubiens ont utilisé des techniques nouvelles retrouvées en Europe plus de 1000 ans après.
Le Museum of Fine Arts de Boston accueille une rétrospective sur Graciela Iturbide au printemps 2019. De manière thématique, elle présente plus de 100 photos noir et blanc de la célèbre photographe mexicaine qui documente à la fois les rituels ancestraux des indigènes et le tumulte de la vie urbaine, les paysages désertiques et les grandes manifestations politiques, les cérémonies du Jour des Morts ou la beauté de la vie quotidienne.
An accessible exploration of the rich and varied portrait traditions of Ancient Egypt, based on masterpieces from one of the world's premier collections.
Over the course of some 3,000 years, Ancient Egypt fostered a vibrant and dynamic portrait tradition that encompassed innovations, revivals and renaissances. From imposing colossal statues of kings to glamorous sculptures of queens and divinities, to strikingly realistic heads of priests and officials, supremely accomplished artists brought their subjects to life--literally, as statues were places where the spirits of the dead could reside.
Faces of Ancient Egypt draws on masterworks in the peerless collection of the Museum of Fine Arts, Boston, to tell the story of how the creators of these portraits strove to balance realism and symbolism, humanity and divinity, tradition and the particular desires of their subjects. Their enduring legacy brings us face to face with a gallery of ancient Egyptians and confirms the surpassing achievements of those who portrayed them.
A glorious trove of miniature art across eras and mediums?from ancient Egypt to the present, from netsuke to medieval shrines.
Intricate and appealing, curious and uncanny, miniature works of art exert surprising power. Over thousands of years and across cultures, artists and artisans have created small objects for many purposes: tiny gold amulets of ancient Egyptian gods to protect the wearer; portable European medieval shrines made of precious materials to hold the relics of saints; English and American miniature painted portraits to keep loved ones close; Dutch dollhouse furnishings to display the maker's skill and the owner's social standing; pocket-size tools and globes from the age of exploration; Japanese netsuke carved in the shape of auspicious animals; and everyday objects transformed into statement jewelry by contemporary makers.
Tiny Treasures looks closely at more than 75 fascinating miniature objects from across the collections of the Museum of Fine Arts, Boston, exploring their meaning and purpose along with their often dazzling workmanship, and showing that the human impulse to create on a small scale can produce compelling masterpieces.
In the Wake regroupe des travaux de la scène photographique japonaise qui font écho, de façon plus ou moins directe, à la triple tragédie qu'a vécue le pays le 11 mars 2011. Hatakeyama, Araki, Homma, Kawada et Kawauchi sont quelques-uns des contributeurs.
Ce catalogue accompagne la plus grande exposition d'art contemporain chinois présentée aux Etats-Unis, organisée par le Solomon R. Guggenheim Museum. En 150 oeuvres de plus de 70 artistes, il présente la période récente de l'art chinois de 1989 à 2008.
Catalogue d'une exposition au Museum of Fine Arts de Boston au printemps 2018. Takashi Murakami est l'un des artistes japonais contemporains dont le travail est identifiable au premier coup d'oeil. Ancrant ses oeuvres dans les thèmes traditionnaux japonais, l'artiste expose ses réalisations en présence des chefs-d'oeuvre des collections du musée selon un arrangement pensé par l'historien d'art japonais Nobuo Tsuji, nous montrant ainsi que l'art contemporain n'est pas déconnecté du passé, mais s'inscrit dans sa lignée.
